El camino del ruiseñor

La editorial Penguin Random House a través de su sello Random Comics edita en nuestro país la adaptación, en formato novela gráfica, de una de las obras maestras de la literatura de todos los tiempos; Matar un ruiseñor. Escrita por la ganadora del Premio Pulitzer de 1961, Harper Lee (Alabama , 1926-2016), esta novela gráfica parte de una idea concebida por los herederos y gestores del legado literario de la novelista. Esta vez encuadradas en viñetas, reviviremos las aventuras de Scout, una niña de seis años inspirada en la propia Lee, su hermano Jim y su amigo Dill (sobrino de una vecina), marcando un ritmo a caballo entre la ficción y los recuerdos, en un entorno, el de la gran depresión, enormemente detallado.

La acción trascurre en el pueblo ficticio de Maycomb, invadido por un terrible sentimiento de racismo contra de los ciudadanos afroamericanos. A este ambiente se contrapone con vehemencia la bonhomía del respetable e íntegro abogado Atticus Finch. Este deberá defender a Tom Robinson –de raza negra- acusado de violación hacia una mujer blanca. Se iniciará así, un alegato a favor de la tolerancia y la convivencia, defendiendo todas las lecciones de la vida resumidas en cada viñeta y cada línea.

Las personalísimas ilustraciones del tomo, las firma el joven y talentoso artista londinense Fred Fordham (1985), en cuyo haber encontramos otros trabajos Nightfall (2013) o The Adventures of John Blake (2017). En palabras de Fordham adaptar una historia que significa tanto y darle vida en un medio visual de formato largo, supuso un gran placer y una responsabilidad tanto con el legado de Lee como con los potenciales lectores que descubrirán esta obra a través de la novela gráfica.

Representado por la figura de Boo Radley, un misterioso vecino que nunca sale de casa, acecha el misterio en un porche donde se intuye su sombra. Aquellos terrores imaginarios y reales que aguardan en la noche sureña. Los columpios hechos con neumáticos viejos o ese hueco del árbol donde guardan los tesoros de infancia. Un ruiseñor enjaulado y apartado de la vida que deberá dar un paso decisivo en un momento dado. Un personaje lleno de simbolismo que representa al lector, temeroso de dar ese paso adelante y clamar justicia para el indefenso.

Ha pasado más de medio siglo y Matar un Ruiseñor ha sido avalado con más de 40 millones de copias vendidas. Pese al tiempo trascurrido los valores que defiende la novela siguen vigentes, y son completamente extrapolables a la realidad política en la que estamos inmersos a día de hoy. Cuestiones como la solidaridad, la amistad o la justicia –valores representados en Atticus y los niños- son universales y atemporales. Y el debate que la novela suscitó en su momento –a día de hoy sigue prohibida en gran cantidad de escuelas- trasgrede toda época, país o condición. Por suerte esta adaptación no edulcora el mensaje y es uno de esos claros ejemplos de que el noveno arte, bien utilizado, es un vehículo inmejorable para trasmitir un mensaje a la gente. Un mensaje positivo y que quizás por la universalidad de su contenido y su valentía hace que contemplemos a Atticus Finch con admiración. Admiración que nace cuando pese a poder perderlo todo eres capaz de caminar con los zapatos de otros. Y esas huellas que dejan algunos personajes, marcan, sin duda, el camino que han de seguir los demás.


Atticus y los niños- son universales y atemporales.

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RESEÑA – LAS ESCALOFRIANTES AVENTURAS DE SABRINA – TERROR EN ESTADO PURO

Posiblemente junto a Marvel y a DC el universo más veterano –y más identificable– dentro de la industria del noveno arte  sea el de la editorial Archie Comics. Fundada en el año 1939 conoció un primer momento de fama centrándose en los superhéroes, en aquel momento en auge por el repentino éxito de unos recién nacidos Superman y Batman. Tan solo dos años después, en 1941 aparecían por primera vez los personajes de Archie, Betty y Verónica –uno de los triángulos amorosos más celebres del cómic– y se constituía así el universo de Riverdale. Escenario ideal de las aventuras y desventuras de un grupo de adolescentes americanos con los que podían identificarse la mayoría de sus lectores. La popularidad de este peculiar y naif universo fue in crescendo alcanzando su cenit en la década de los sesenta –recordad este dato– con la publicación de multitud de series paralelas y la presentación de un buen puñado de personajes nuevos.

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Portada de Archie de la década de los 40

Uno de estos personajes fue Sabrina, la bruja adolescente, quien debutó en una aparición de no demasiadas páginas del Archie’s Mad House #22 en octubre de 1962. La editorial recibió decenas de cartas pidiendo saber más de esta peculiar hechicera, que tuvo varias apariciones en series de la editorial durante los años siguientes. Y en 1970 debutó en solitario con un spin off en forma de serie animada.  Al año siguiente, en 1971, consiguió su propia colección de comic, que se prolongaría durante 77 números y poco más de una década. Un segundo volumen a finales de los noventa se prolongó un par de años en las tiendas y un tercer intento, más exitoso, comenzó con el nuevo siglo y se alargó casi diez años hasta su cierre en 2009. Aunque si algo ayudó –y de qué manera– a dar a conocer este personaje al gran público, fue su exitosa serie de imagen real protagonizada por Melissa Joan Hart entre 1996 y 2003. Esta Sitcom para todos los públicos, conocida en España como “Cosas de Brujas” y como “Sabrina, la bruja adolescente” en Hispanoamérica  bebía fielmente de los comics originales –que el gran público desconocía que existieran– presentándonos a una Sabrina Spellman en carne y hueso.

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El debut de Sabrina con serie propia en 1971

Sabrina era una bruja adolescente que vivía con sus tías, Hilda y Zelda, dos brujas experimentadas, que la adoctrinaban y enseñaban a  usar sus poderes. Medio humana medio bruja, usaría estas habilidades sobrenaturales casi siempre para ayudar a su entorno sin ser descubierta. Ambas: tías y sobrina, compartían piso con un gato llamado Salem en el que residía un poderoso brujo que había sido trasmutado dentro del animal como castigo por intentar conquistar el mundo con magia negra. Estando orientada a los adolescentes, no podía faltar el interés amoroso, Harvey Kinkle, eterna pareja de Sabrina, adolescente americano arquetípico y capitán del equipo de futbol americano del instituto. Todo lo que habíamos conocido en su versión en comic estaba aquí. Ingredientes básicos pero que bien manejados y en muchas ocasiones inspirados en su versión de papel depararon un momento de abrumadora fama a la hechicera. Nada podía predecir el giro terrorífico que este personaje viviría a comienzos del 2014. ¿Intrigados? Seguid leyendo

En ese año el guionista Roberto Aguirre-Sacasa, quien acababa de revivir el universo en papel de Archie, ponía sobre la mesa una nueva colección de comic: Las Escalofriantes Aventuras de Sabrina. Todo surgió a raíz de un cameo de la bruja adolescente en el número 6 de la colección “Afterlife with Archie” –colección de corte terrorífico ambientada en el universo de Archie- que dejaba ver que con un leve giro, este veterano personaje aun tendría MUCHO que contar a las generaciones actuales. Y así fue. Con un primer número ejemplar, más cercano a un “Batman año Uno” que a un comic-book del universo Archie al uso,  se situaba al personaje en la década de los sesenta –os dije que recordarais la fecha– a la vez que se hacía una retrospectiva modélica sobre su origen, familia y entorno inmediato. Un trasfondo oscuro y terrorífico que no ahorraba detalles escabrosos y violentos. Aquí la magia es un instrumento peligroso y magos y brujas están más cercanos en forma y fondo a la tradición clásica del terror gótico y cinematográfico que a la visión amable de la serie de televisión o los cómics clásicos del personaje.

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La Sabrina de Robert Hack y Sacasa

Todos los elementos identificables de Sabrina reviven en esta serie. Salem, esta vez como animal guía de Sabrina. Harvey Kinkle, como interés amoroso, personaje clave de la trama y como parte de una de las mejores escenas de los primeros cinco números de la serie. También tenemos cameos memorables de Betty y Verónica, brujas del aquelarre de Riverdale. Sus tías, Hilda y Zelda, que seguirán siendo sus tutoras, pero su visión y enfoque estará más cercano a al de “The Lords of Salem” de Rob Zombie o la “La semilla del diablo” de Roman Polanski que a la de una sitcom o un comic clásico de Archie. Hay aquelarres, magia negra, sacrificios, necromancia y escenas que se quedan grabadas a fuego, por su dureza, en la retina del lector. Un lector que asiste con autentico interés a este espectáculo terrorífico, sin poder dejar de devorar página tras página, a la reinvención, de un universo que había caído en el más absoluto de los olvidos para el lector actual. A esto ayuda en gran medida el arte de Robert Hack, delicado, oscuro e intricado que ambienta a la perfección los guiones inteligentes y macabros de Sacasa. Un arte cercano al de Bernie Wrightson o Steve Totleben en su capacidad para recrear ambientes oscuros opresivos y malsanos. La colección alcanza en tono en muchas ocasiones  a los comics terroríficos de la EC o a La cosa del pantano de Alan Moore –por su tratamiento naturalista de la magia como entidad– recordando a Hellblazer por momentos.

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Hack consigue una atmosfera terrorífica

Las Escalofriantes Aventuras de Sabrina es una serie que sorprende al lector que se despoja de sus prejuicios previos sobre el personaje y se lanza a la piscina para descubrir una de las colecciones más fascinantes de género de la actualidad. Una mezcla insólita de terror, magia, y problemas inherentes a la adolescencia como son el instituto o el primer amor. Una mezcla que a priori no parece casar demasiado, pero de la que Sacasa obtiene oro puro. El primer arco, consistente en cinco números alcanza niveles de intensidad y calidad notables. Un digno renacimiento en clave de terror para un personaje que con más de cinco décadas a sus espaldas ha sabido renovarse, reinventarse, salir bien parado, cambiar de género y no traicionar su esencia en absoluto. Una de esas colecciones “ocultas” que a buen seguro alcanzaran el estatus de series de culto en no demasiado tiempo. Sin duda de lo mejor que se puede encontrar en las estanterías actuales.

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Sabrina y Harvey bajo el prisma de Hack.

Por fortuna para nosotros Norma Editorial acaba de editar en un magnifico tomo en tapa dura este primer arco, con abundante material extra – introducción, portadas alternativas, un cómic con el origen de la villana de la serie…– este mismo mes. Tanto si crecisteis con la Sitcom clásica de Sabrina como si no conocéis al personaje previamente, este tomo os brinda una oportunidad de descubrir no solo una buena reinvención del personaje sino un buen cómic que funciona por sí mismo, por sus valores artísticos y se aleja de una nostalgia mal entendida que podría haber dado al traste con este reboot. Todo un acierto esperándoos en vuestra tienda de cómics más cercana ¡Luego no digáis que no os avisamos!

 

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¡Aquí estamos! Séptimo y Noveno

¿Otra Web sobre cine y sobre cómic? Seguro que eso es lo que estas pensando si acabas de caer en este humilde blog sobre el séptimo y el noveno arte. Y la respuesta es un ROTUNDO sí. A lo largo de nuestra experiencia como lectores y espectadores no son pocas las paginas que nos han hecho descubrir joyas ocultas en cualquier medio. Obras que se hallaban olvidadas y que nos han hecho cambiar nuestra visión como consumidores de cultura. Esta pagina tiene como misión exponer mi visión –y la de el equipo de colaboradores– sin imponer, sin destrozar y sin manchar. Es una pagina constructiva en la que se procurara hablar desde el prisma positivo de obras de todas las épocas que a nuestro parecer son relevantes.

Así que sacad vuestra entrada y mantenednos en vuestro radar, que esto solo acaba de empezar y nos queda mucho camino juntos por delante.

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SPIDERGIRL, DE TAL PADRE TAL HIJA. RESEÑA. CUANDO LA HEROICIDAD VA EN LA SANGRE

Spider-Man: Un nuevo universo ha supuesto un taquillazo inesperado para Sony que ha visto como la crítica la ensalzaba de manera unánime mientras que el público acudía en masa a las salas. Esta cinta de animación ha conseguido una taquilla de más de 300 millones de dólares en poco más de cinco semanas, un hito en una película de este género y alejada de los convencionalismos que manejan Disney, Pixar o Universal. Sería necesaria otra entrada en esta página tan solo para enumerar las numerosas virtudes de esta pequeña joya animada, pero la aparición de –SPOILER– varias versiones alternativas del hombre araña –FIN SPOILER– ha tenido gran parte de culpa del éxito de UNE.

Marvel tiene una larguísima tradición en lo que a creación de universos paralelos se refiere.  Tal es así que en 1977 inauguró una colección para albergar toda esa clase de historias ambientadas en futuros alternativos. La serie “What If…?” tuvo una primera etapa dorada entre 1977 y 1984 en la que los mayores talentos creativos de la casa de las ideas desplegaban su pericia dando rienda suelta a sus fantasías narrativas más alocadas.  Historias como “Y si Spiderman se hubiera unido a los 4 fantásticos”“Y si Conan el Bárbaro viajara a nuestra época” (ilustrada por su dibujante habitual en aquel entonces, el magistral John Buscema) o “Y si Lobezno hubiera matado a Hulk” se convirtieron en pequeñas piezas de culto de 24 páginas, autoconclusivas, que daban respuesta a cuestiones fantaseadas por los lectores Marvelitas durante décadas.

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¿Y si Spiderman se hubiera unido a los 4f? What if de la era clasica

Entre 1989 y 1998 apareció un segundo volumen de What if que si bien tenía algunos números dotados de auténtico ingenio creativo, empezaba a dar síntomas de que la fórmula de los universos alternativos empezaba a agotarse. Esto desemboco en una cancelación en su número #114, debido, principalmente, a las bajas ventas. No obstante antes de esta cancelación y en su número #105 el tándem creativo formado por los veteranos Tom DeFalco (guion) y Ron Frenz (lápices) dió en el clavo con una historia que destacó por encima de la media de la serie. Titulada “Legado… en blanco y negro” suponía el debut de Mat “Mayday” Parker, hija de Peter Parker y Mara Jane quien con 15 años recién cumplidos empezaba a descubrir sus poderes arácnidos. Desconocedora de su legado familiar se vería enfrentada a Normie Osborn, nieto del duende verde original, para proteger a su familia.

La historia recuperaba todo lo que hizo grande al Spiderman original en la década de los sesenta, adaptándolo sin necesidad de reinventar, y dotando al lector de un marco reconocible de personajes que le eran familiares. May Parker era un personaje vital, bien construido, entrañable y lleno de posibilidades. Tanto los lectores –que inundaron de cartas la redacción de Marvel pidiendo continuidad con este personaje- como los editores de Marvel vieron de inmediato que podía hacerse algo grande con la recién nacida Spidergirl. Y es así como bajo el paraguas de la “Tierra 982” o “Universo MC2” (una tierra alternativa donde la mayoría de los héroes se habían jubilado por edad o pasado al exilio) nacía la colección “Spidergirl” en noviembre de 1998.

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El numero que dio origen a todo

La editorial apostó desde el comienzo por un equipo creativo de primer nivel. A los lápices estaba Pat Oliffe, quien se había curtido en el universo arácnido con la reivindicable Las Historias jamás contadas de Spiderman. Una colección que entre septiembre de 1995 y hasta octubre de 1997 se erigió como un oasis de calidad dentro del maremágnum –bastante irregular- de series de la editorial en aquel entonces. Su trazo se alejaba del estilo excesivamente tecnológico e hipermusculado de aquella década y se acercaba más a la simpleza y detalle de los dibujantes clásicos de la casa de las ideas. Con una narrativa clara y concisa y un don para las escenas de acción –algo crucial para el lanzarredes– Oliffe continuó puliendo su estilo y haciendo una “marca de la casa” en su larguísima estancia al frente de la colección que se extendió durante casi todo el primer volumen de 100 números.  Hubo algunos números en los que Ron Frenz o Sal Buscema suplieron a Oliffe, pero siempre procurando respetar una línea grafica continuista.

Al frente de los guiones estaba el padre de la criatura,  Tom DeFalco. Veterano guionista de la casa de las ideas, ha escrito para todas las colecciones capitales de la editorial llegando a ser incluso editor durante un tiempo en la propia Marvel. Spiderman, Thor, Los Cuatro Fantásticos, Los nuevos Guerreros, Patrulla-X, etc. son algunas de las colecciones para las que ha prestado su talento. No obstante ya en 1998 se había bregado en el universo arácnido por casi dos décadas. Artífice de la saga del clon, una de las más discutidas tramas de Spiderman jamás escritas, o de la notable Matanza Máxima, era el candidato ideal para aquel nuevo reto. Pero asombrando a propios y extraños opto por una un estilo de escritura y una orientación de la serie que se alejaba de todo lo antes visto en la franquicia del trepamuros. ¿Qué convirtió a Spidergirl en una serie de culto casi instantánea?

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“Mayday” Parker, dibujada por Oliffe

Quizás el camino más sencillo para DeFalco a la hora de establecer una línea de guion hubiera sido el de aprovechar las rentas del personaje. Spiderman siempre ha sido uno de los buques insignia de la editorial, un personaje con un plantel de secundarios y de antagonistas brillantes y reconocibles familiares para casi cualquier lector del personaje. No obstante y desde el primer número se nos presentan uno tras otro un semillero de nuevos personajes, apostando así por crear en lugar de por reciclar. Y aunque se aprovecharon multitud de personajes del universo MC2, DeFalco creo DECENAS –literalmente- de nuevos personajes –una de sus especialidades como guionista- para el universo de Spidergirl. También se reinvento o se le dio otro aire a personajes clásicos de Spiderman y del universo Marvel –Los vengadores, Los CINCO Fantásticos- creando una amplia panoplia que conformó un universo hermético por sí mismo dentro del mundo de May “Mayday” Parker.

La orientación de la serie, también, se alejaba de las colecciones arácnidas al uso. Se acercaba más al tono de las ficciones televisivas adolescentes como Smallville o la reciente Gotham. Eso sí, con un componente supe heroico constantemente presente como telón de fondo. Spidergirl es ante todo una colección rabiosamente divertida, emocionante, con personajes entrañables a los cuales el lector no podrá evitar coger cariño de manera inmediata. No deja de serla enésima versión del viaje y aprendizaje del héroe, en el cual encuentra su verdadero potencial tropezando una y otra vez por el camino. Pero la riqueza del universo que rodea a esta serie, el equilibrio entre la evolución personal y superheroica de Mayday Parker, la distinguieron de todas las demás series similares. El primer volumen abarco 100 números lo cual convirtió a Spidergirl en la serie protagonizada por una heroína más larga jamás editada en Marvel.

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Portada del tomo de panini

Serie de culto atemporal, donde la calidad acompañó a niveles altísimos casi de principio a fin, Spidergirl es una de esas “Tapadas” que pasaron desapercibidas en su momento en nuestro país, de manera bastante inexplicable. Reivindicable, divertida, genial, única y con una visión que nos demuestra que fuera del universo Marvel corriente hay MUCHO que contar, PANINI COMICS ESPAÑA edita el primer tomo recopilatorio de Spidergirleste mismo mes. Aglutina los doce primeros números de la serie –las dos primeras sagas completas- más el número What If que dio origen al personaje. Una ocasión única para acercarse a una colección que supuso un antes y un después sobre cómo el mundo del comic boock trataba a los personajes femeninos. Y una ocasión para DISFRUTAR leyendo y reafirmrse como amante del noveno arte.

Un superheroe de 80 años

Superman se erigío como bastión de un estricto código moral capaz de reflejar el sentir de una sociedad, desolada y cambiante, a las puertas de la Gran Depresión estadounidense. 

Alumbrado en el Actión Comics #1, Superman deslumbró al mundo en 1938. El último hijo de Krypton, El Hombre de Acero, arrojando luz a la esperanza en pos de un mundo mejor. Un justiciero social vestido de azul y rojo y lleno de valores escondido bajo la falsa identidad de Clark Kent, un tímido reportero de origen humilde.

ECC Ediciones rinde homenaje al primer superhéroe –con motivo de la edición del número 1000 de la serie que lo vio nacer- editando un ecléctico tomo con aire de celebración.  En este recopilatorio del superhéroe con más seguidores veremos pasar a una gran cantidad de autores cruciales en la trayectoria del kryptoniano.  Artistas como José Luis García López, Scott Snyder, Tom King, John Cassaday, Geoff Johns, Oliver Coipel, Paul Dini que dejaron su huella indeleble en Superman. Abre el tomo una magistral introducción de J.A. Bayona a un personaje inabarcable que con 80 años sigue igual de relevante que en su nacimiento.

Celebraremos este aniversario disfrutando de multitud de artistas, el esperadísimo debut de Brian Michael Bendis en una historia de 10 páginas con dibujo de Jim Lee. Dan Jurgens, escrito e ilustrado desde el reboot producido hace dos años, o dos nuevas historias de 15 páginas, realizadas por el guionista Peter J. Tomasi y el dibujante Pat Gleason. Dan DiDio, editor de DC Comics añade: “La entrega número mil es un hito increíble en la cultura pop y un testamento de una creatividad sin límites y fértil imaginación de Jerry Siegel y Joe Shuster”

La duración relativamente corta de cada historia individual, es probablemente el punto más importante, la duración aproximada de seis páginas en la mayoría, tiende a enfatizar el legado de Superman, a pesar de limitar a los distintos equipos creativos, rindiendo homenajes a sus muchas encarnaciones. Una historia destacada se presenta a través de Geoff Johns y Richard Donner al revisar las raíces de la Edad de Oro de un Superman más contemporáneo, con una compasión tan grande como su fuerza.

Hay multitud de historias memorables, para bien o para mal, con diferentes tonos y estilo, alguna de las cuales mejoraron gracias a la mano firme y segura de todos y cada uno de los autores, capturando una brillante y divertida celebración con destellos significativos del pasado. Recordando a los lectores décadas de historias increíbles, una mirada conmovedora a los recuerdos literales plasmando los milagros del Hombre de Acero. Una laboriosa mirada al pasado mientras se apunta al futuro. La cálida celebración del héroe más icónico de DC, Action Comics 1000 cumple exactamente lo que promete.

Detective por vocación

‘Rip Kirby’, del dibujante Alex Raymond, es una de las tiras cómicas de género policíaco más reconocidas en Estados Unidos, en donde el protagonista es un elegante investigador con cierto aire aristocrático

La idea de una tira sobre un detective llamado entonces Rip O’Rourke la propuso el director general de King Features, Ward Greene. Rip Kirby, un veterano del cuerpo de marines algo maduro, sofisticado, exatleta y ganador de numerosas competiciones, pianista y criminólogo por afición, prácticamente aristocrático, da vida a la obra maestra de Alex Raymond (1909-1956). 
Se trata de un cómic con un hilo conductor a dos corrientes, personajes glamorosos y elegantes, muy explotado durante los años 30 y 40. Son sujetos salidos de los bajos fondos, los tirones o puñetazos participaban en la acción, pero nunca en exceso, despeinándose lo justo, dibujando a su héroe tan perfecto y atractivo que el autor decidió ponerle gafas y la nariz rota para dotarlo de normalidad. Con incisiva precisión al gesto y la expresión corporal -mediante sombreados de lápiz influenciado por la técnica del pincel seco, entintando contrastes de luz- Rip Kirby se convirtió en el superventas del momento, al tiempo que se encuadró dentro del género policíaco, lo que marcó un antes y un después en este género. 
Raymond había ido escalando con una clara vocación de difícil ejercicio como dibujante no declarado. A finales de 1933 había creado tres tiras nuevas, una ópera espacial del estilo Julio Verne (Flash Gordon), aventuras en la jungla (Jungle Jim) y un drama de género negro (Secret Agent X-9), escrita inicialmente por Hammett e ilustrada por él. 

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Llegó la guerra y fue llamado a filas, dejando las series en manos de sus colaboradores entre los que se encontraba su hermano James; ya como excombatiente retornado, con 34 años se puso a trabajar sobre el transfondo de la justicia, con un detective neoyorquino llamado Rip Kirby. El 26 de enero de 1946 se inició como un Sherlock Holmes moderno, con un mayordomo, Desmond, exladrón de cajas fuertes reformado y una hermosa modelo rubia, Judith Lynne, la dulce Honey; el cuarto personaje principal de la serie daría trazos a una morena, Pagaan Lee, como femme fatale, con planos generales para crear la atmósfera y primeros planos para el impacto. 
Entregar una tira diaria suponía mucho trabajo. Al principio contaba con 75 clientes, pero en tan solo seis meses esa cifra ascendió hasta los 150, y en 1948 ya había superado los 300 periódicos, pasando a ser uno de los dibujantes de tiras de cómic más importante de Estados Unidos. 
A partir de los años 50, se rodea de un equipo de guionistas con patrones narrativos de literatura heroica, trajes bien planchados y mezclando a la perfección la novela negra con el melodrama clásico, mientras parapetaba a sus personajes dentro de un físico de profesor universitario.
El Bandini Barchetta con motor Crosley no era el primer deportivo que se importaba de Italia. Su anterior Bandini se expuso en el National Motor Sport Show de Nueva York en 1954. Desgraciadamente el 6 de septiembre de 1956 conduciendo un Corvette descapotable de su colega el dibujante Stan Drake (que sí sobrevivió al accidente), encontró la muerte con tan solo 46 años. Raymond no llegó a ver su nuevo Barchetta, se saltó una señal de stop, salieron disparados más de 20 metros por los aires, directos contra unos árboles. En el salpicadero, un lápiz flotando en el aire. 
Raymond incorporó un nuevo estilo de fotorrealismo a la página del cómic. Ahora Planeta Cómic le rinde homenaje y tributo con una elegante recopilación sobre Alex Raymond.

UN RETRATO DEL PASO DEL TIEMPO: RESIDENCIA ARCADIA

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El autodidacta argentino pero afincado en Italia Daniel Cuello nos narra múltiples historias/biográficas concatenadas entre sí mientras realiza guiños constantes que el lector avezado irá encontrando desde la misma portada del cómic imitando la portada archiconocida de Abbey Road (The Beattles). Cuida cada detalle, en cada viñeta, transmitiendo vida y sentimientos pues como uno de los lemas que mueve a Cuello “el diseño no es necesario, es inevitable” (del quasi octogenario Ronald Shakespear).

Llega a las estanterías de la mano de la editorial DibbuksResidencia Arcadia”, con un estilo que nos podría recordar al de “Arrugas” pero con una narrativa fragmentada en historias cruzadas con viñetas jugando con el tiempo, una novela gráfica con recuerdos al teatro y con un buen gusto por la caracterización de cada personaje, el uso neutro y concreto de cada color, cada tono, da vida a nuestra peculiar comunidad de vecinos que trata de anclarse en el tiempo. Sus respectivas vidas según el parámetro de un viejo régimen que han vivido y viven. Es una dictadura militar que amenaza con terminarse, pero todavía con suficiente fuerza como para mantenerse en la rutinaria disputa del miedo a lo desconocido, desean mantener a toda costa la monotonía de sus vidas intacta, indemne y así mantener una falsa seguridad de inmortalidad.

Arcadia proviene del griego que hacía mención a una región de la antigua Grecia que con el devenir de los años se ha convertido en el nombre de un país imaginario para diversos poetas y artistas en la época del Renacimiento y Romanticismo. Hacía referencia a un lugar en plena felicidad donde la sencillez y la paz conforman un ambiente idílico donde la población y la naturaleza viven en comunión, a medida que avanzamos en sus páginas con giros que va hacia atrás en cada vecino, su vida, sus entresijos que conforman las particulares de su ser actual; que le hacen ser como son.

Es así como teóricamente el autor nos presenta la comunidad, pero rápidamente nos daremos cuenta de que lo que prima es todo lo contrario con relaciones complicadas, temores, resquemores, odios e incluso celos que se entremezclan para dibujar al ciudadano actual y probablemente a tantas comunidades de vecinos actuales. La felicidad y la tranquilidad se ven interrumpidas constantemente por la desazón, la desconfianza, el miedo, el ruido atronador de una minicadena musical o bien de un camión; y la relación con el mundo de la naturaleza y el animal va a irse apagando como lo hacen los fríos y lóbregos días de invierno.

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Residencia Arcadia se le presenta al lector como la comunidad perfecta, ideal, noble, antigua, con décadas de solera que se estrella con una sociedad, en contrapunto, que crece y que empuja al pasado para hacerse un hueco. Se deja ver como se aproxima un nuevo amanecer sin decaer el interés en ningún momento.

Diente de oso

 

Un eco lejano de nazis narrando la historia en dos tiempos diferentes

Bajo las ordenes de Yann, su guionista, redundante en temas de aviación desde niño, fascinado por Buck Danny (1948 y 1951) y la construcción de maquetas.

Cuando vivía en Marsella asistía al salón de Provence, donde se entrenaban duramente en los míticos Fouga Magister (Avión de entrenamiento francés biplaza) dando vuelos a la imaginación de forma precisa a una entrañable amistad de tres niños, Max, Werner y Hanna ambientada en la baja Silesia, poblada de polacos, alemanes y checos, entre barrancos y cañones recorrida por turbulencias para la práctica del planeo y con un sueño común, convertirse en pilotos, añadiendo a Diente de oso, viñetas de altos vuelos.

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En 1918 Alemania sin derecho a crear un ejercito del aire, la Luftwaffe alistará pilotos de Silesia, como Adolf Galland, Werner o Hanna, el plan nazi consistía en formar futuros soldados arios fanatizados, entre giros, rizos y aros dobles. Amigos inseparables, en posiciones contrapuestas y un secreto,

Alain Henriet y su compañera colorista, Usagi, tuvieron bastante libertad de acción buscando el preciso momento del día en el que se desarrollaba cada escena para conseguir mejor tonalidad y contando con numerosas fotos de aviones y uniformes de aquella época en B/N con un resultado maravilloso.

Yann nos va mostrando la historia en estas cinco entregas, editadas por Norma de nuestros protagonistas explorando la amistad, con decisiones que marcaran su destino, evolucionando los personajes y conformando episodios con saltos en al tiempo presentándolos de forma adulta y caracterizada a la perfección. Quienes hayan difrutado recientemente con la exitosa serie de TV, Hijos del Tercer Reich, tienen ahora ración doble de solazamiento. Todo ello, sobrellevado por la línea clara de Henriet, que hará las delicias de los fans de Hergé o Berthet.

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The good doctor. El autismo con bisturí

 

David Shore regresa después de “House” centrando su atención en un joven cirujano de espectro autista, preparando el terreno al inestable carácter del Dr. Shaun Murphy, con síndrome de Savant o del sabio; dando esbozos de un género televisivo en si mismo, los médicos, una fuente inagotable de tramas repartidos en 18 capítulos.

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El prestigioso hospital de San José St. Bonaventure será el lugar donde se sitúe el peso dramático a través de flashbacks de la infancia del protagonista, encuadrándose en el arquetipo de los antihéroes que nos tenían acostumbrados pero con pesos pesados detrás del proyecto, como el actor Daniel Dae Kim (Hawai 5.0), otro de sus productores, que trabajo en el proyecto desde que vio el original coreano del mismo título escrita por Park Jae-bum, confiando en la historia y cargando el protagonismo a Freddie Highmore (Bates Motel); el resto del elenco de actores y compañeros médicos Richard Schiff interpreta al gerente del hospital, Nicholas González da vida al doctor Neal Melendez, responsable del área de cirugía, Chuku Modu es el doctor Jared Kalu, Irene Keng interpreta Sarah Chen, Beau Garret es Jessica Preston y Hill Harper (CSI: NY) como el doctor Marcus Andrews. L

La evolución de la serie se centrará en los médicos dejando bien claro que los pacientes están de paso. Aaron Glassman, (Richar Schiff) presidente y médico del St Bonaventure, una figura paternal para el Dr. Shaun avalándolo permanentemente y confiando en sus extraordinarias habilidades frente al resto de sus compañeros, asegurándose de resolver la técnica quirúrgica frente a la honestidad emocional, provocando una diferencia entre los demás.

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Un cerebro privilegiado y un médico brillante, refutando el escepticismo de sus colegas ante el genio de la deducción, sin ningún tipo de aptitud social cuestionándonos como una persona sin capacidad para relacionarse puede salvar vidas.

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El Dr. Murphy tiene una infancia difícil con desórdenes mentales y una sorprendente habilidad mental pero complicado en el trato ira evolucionando a nivel de personaje, consiguiendo episodios excelentes y emotivos, haciendo los personajes más populares añadiendo momentos dramáticos, incluso a modo de apertura, como el excelente episodio piloto.

Basando su atractivo en la ejecución con su personaje como hecho diferenciador, aportando a la larga lista de series médicas algo nuevo, acercándose al público al partir con desventaja respecto al resto de sus compañeros, aportando humanidad al personaje. No es cínico y no juzga, ve lo mejor de las personas, una mirada positiva, aceptando todo tipo de retos con el único objetivo de conseguir mejorar la vida de los pacientes y desafiar el término “normal” del ser humano.

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Cerrarán la temporada con una trama extraordinaria cargada de drama y suspense, asistiendo a tantas operaciones como cualquier profesional y con una reacción de Shaun que nos partirá el corazón asegurándonos una segunda temporada, confirmada, con carácter y enorme curiosidad. Dejándonos en la retina intromisiones médicas especialmente interesantes añadiendo esperanza a la medicina televisiva, cargando buena parte del peso del guion en la historia personal que narra.

Borgen (Serie de TV- 3 Temporadas)

Una serie alejada de los cliches americanos con factura europea

 

La serie relata la historia de una primera ministra danesa que llega al poder después de encabezar una coalición imposible, no podemos comenzar sin eludir comparaciones con “El Ala Oeste de la Casa Blanca” y “House Of Cards”, todas ellas políticas. “Borgen” es el apodo que recibe el palacio de Christiansborg, emplazado en la isla de Slotsholmen, situado casi en el centro geográfico de Copenhague, simboliza el poder en Dinamarca desde el siglo XII y resalta la vida de Birgitte Nyborg, de gordita insegura y autentica, a dama de hierro del centro progresista moderado, líder de un partido político bisagra de centro danés.

Llegará a ser la primera mujer primer ministro de Dinamarca, tras un estallido de honestidad pública que empuja su popularidad hasta altas cotas, su vida cambia radicalmente y con ella el punto de vista del espectador.

Las anteriores referenciadas “El Ala Oeste” y “House of Cards”, presentan pretensiones de serie norteamericana tan megalómanas, que resultan irreales frente a la modestia natural de la danesa, que consigue veracidad y cercanía sin caer en la simpleza.

Borgen”nos hace un amable retrato de los modos y formas de la alta política de Dinamarca, cada episodio tiene como eje central algún tema político candente, tocando varios a lo largo de las tres temporadas, ecología, temas étnicos, elecciones, espionaje, política exterior, sin olvidar los temas generales, no se limita a la historia de la presidenta sino que también la vida de la mujer que hay detrás, la relación con su marido y sus dos hijos, una adolescente y un niño pequeño de 8 años, de los personajes, ya sea en temas familiares, amor o enfermedades de Casper, Katrin o de la propia Brigit.

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La estructura no es compleja. Los actores tienen registros excelentes, un amplísimo rosario de personajes secundarios en especial en lo que hace referencia a los miembros de su partido, consiguiendo tramas interesantísimas de temas tan poco atrayentes y áridos, como la política agraria o las cuotas porcinas de la Unión Europea, lo hace a conciencia pero sin alargarse, con cabida tanto el idealismo como el cinismo.

Consigue un tono serio pero no por ello asfixiante mostrado las miserias y mezquindades de la política del más alto nivel, aportando profundidad, veracidad y diversidad de opiniones a los debates que se presentan, su interrelación con los medios de comunicación, tan necesarios hoy en día para llegar al poder en cualquier escenario político, proporciona los momentos de mejor televisión, decorados limitados, políticos secundarios feos, vastos, muy creíbles

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Los títulos de crédito con la solemne música del compositor danés Halfdan E, nos sumergen en ese ambiente parlamentario.

La recomiendo especialmente si ya viste o sigues la homónima norteamericana. Dos visiones contrapuestas resultará muy interesante.

 

 

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